Affiche Portrait au Marqueur

Réalisez une seule pièce à partir de la photographie envoyée ; ne faites pas de collage. Format vertical 3:4, les deux zones strictement dans un rapport de 1:1 en hauteur, 50 % chacune.

Zone supérieure — conservez la photographie d'origine. Utilisez la photo envoyée comme unique référence de la personne et préservez intégralement son identité, l'impression d'âge, la profondeur de son teint, l'expression, la pose, l'inclinaison de la tête, la coiffure, les rapports entre les traits, les vêtements, les accessoires et le geste principal. N'appliquez qu'un étalonnage léger et soigné, jusqu'à la qualité d'image d'une revue d'art, d'une publication indépendante ou d'un tirage d'exposition ; conservez la peau réelle, la lumière naturelle et l'ambiance colorée d'origine. Le fond peut être prolongé naturellement pour tenir dans le cadre, mais n'étirez pas, ne déformez pas, n'amincissez pas le visage, n'embellissez pas et ne modifiez pas le sujet. Des yeux fermés ne doivent pas s'ouvrir, une bouche fermée ne doit pas devenir un sourire découvrant les dents, un profil ne doit pas devenir un visage de face, et une vue de dos ne doit pas se voir attribuer un visage. N'ajoutez ni illustration, ni autocollants, ni ornement à la zone supérieure.

Zone inférieure — reconstruisez en portrait au marqueur. À partir des caractéristiques les plus reconnaissables de la personne du haut — forme du visage, coiffure, emplacement des traits, inclinaison de la tête, orientation des épaules, pose, silhouette du vêtement, geste, accessoires et expression — reconstruisez cette même personne en peinture de figure contemporaine au marqueur acrylique franc. Ni filtre ni copie réaliste : comme si un peintre avait regardé cette personne et redessiné l'instant avec quelques marqueurs à large biseau aux couleurs riches. Cela doit se lire comme une peinture au premier regard, et comme la même personne au second.

Style : n'empruntez que la disposition haut-bas ; le style visuel doit rester une peinture de figure au marqueur. Prenez chez Matisse les rapports de couleurs pures et vives, les contours simplifiés et le rythme des aplats, mais traduisez-les en peinture au marqueur — jamais en papier découpé, collage, pixel, matière coquillage, vectoriel ou 3D. Prenez chez David Shrigley le rapport « dessin dépouillé plus ligne manuscrite », mais sur un ton plus chaleureux, sans jamais copier une œuvre ou une phrase précise. Un seul langage cohérent : couleur dense, traits larges, grands aplats, forme simplifiée, une expression vraie, les marques visibles de la main et une petite annotation manuscrite.

La personne : conservez la forme du visage, les proportions des traits, la direction du regard, la coiffure, la profondeur du teint, l'expression, le geste, la structure du vêtement et les accessoires importants. Préservez autant que possible les signes distinctifs : grains de beauté, taches de rousseur, lunettes, barbe. Le détail peut être simplifié, mais ne peignez pas un autre visage et ne fabriquez pas d'humour en exagérant les traits.

Médium et trace : le médium est le marqueur à peinture acrylique opaque. Posez les grands aplats au biseau large, établissez les formes à la pointe moyenne, et n'utilisez la pointe fine que pour les traits du visage, la direction des cheveux et le lettrage. Les aplats doivent être pleins, francs et couvrants. Conservez les vraies traces de marqueur — bandes balayées, virages anguleux, coutures là où les traits se recouvrent, bords légèrement irréguliers, quelques manques sur le grain du papier. Pas de texture de bruit généralisée, et jamais de contour noir uniforme avant le remplissage.

Forme et couleur : bâtissez la figure avec quelques aplats pesés — cheveux, visage, cou, haut, bras et accessoires nécessaires, tous ramenés à des formes simples. Le visage est un aplat de teint de base, deux ou trois blocs de couleur structurels et quelques traits pour les traits du visage, la micro-texture et les dégradés complexes de la photographie étant supprimés. Achevez les yeux par quelques traits courts et un point sombre, en gardant le regard exact ; pas de grands yeux d'anime, de reflets exagérés ni de faux cils. La bouche conserve l'ouverture et le sentiment qu'elle avait.

La couleur doit être dense sans être lourde, vive sans être bruyante. Tirez de l'original quatre à six couleurs principales : une dominante qui fixe l'ambiance, une contre-couleur qui crée la tension, et un petit accent qui relève l'image. Cobalt, outremer, vermillon, rouge tomate, ocre, vert herbe profond, vert paon, aubergine, lie-de-vin et ivoire chaud sont tous disponibles, mais ne choisissez que la gamme qui convient à chaque image. La peau peut être traduite librement en ocre, terre cuite, abricot ou brun chaud, mais la profondeur relative du teint d'origine doit être préservée — sans blanchir, sans éclater en fragments arc-en-ciel. Dégradés flous, ombres à l'aérographe, coulures d'aquarelle, pastels sucrés et peau plastique sont tous interdits.

Composition de la zone basse : effacez le fond sans intérêt, les passants et le fourbi, en ne gardant que la figure et les rares objets qui comptent vraiment, ramenés eux aussi à des blocs de couleur au marqueur. La figure peut être agrandie, recadrée ou décalée sur un côté pour ménager la place du texte, mais la logique du geste ne doit pas changer. Le fond est un bloc entier de la couleur dominante, deux grandes zones de couleur, ou la dominante associée à une réserve blanche chaude. L'image doit respirer ; n'ajoutez ni plantes, ni cœurs, ni étoiles, ni autocollants, ni ornement de gabarit dénué de sens.

Texte manuscrit : à partir du geste réel, de l'expression, des objets ou de l'atmosphère de la photographie, écrivez une courte ligne, drôle et liée à l'image, qui donne l'impression que seule une personne ayant vu cette photo aurait pu y penser. Principalement en anglais, éventuellement avec une très courte ligne en chinois ; gardez la ligne principale entre trois et huit mots anglais, avec un aparté facultatif de un à trois mots, deux groupes de texte au maximum. Le lettrage doit avoir l'air tracé au marqueur : lettres de tailles légèrement inégales, ligne de base qui monte et descend doucement, espacement naturellement irrégulier mais parfaitement lisible, de la même matière que l'image et jamais comme une typographie ajoutée après coup. Un court soulignement ou une petite flèche peuvent l'accompagner ; ne griffonnez pas sur toute la page.

Signature : en bas à droite de la zone inférieure, ou dans la réserve, notez la date réelle de génération d'une écriture plus petite et plus légère, au format AAAA.MM.JJ. N'ajoutez ni signature inventée, ni logo, ni filigrane.

Contrôle final : le résultat doit être une photographie originale authentique dans la zone haute, plus une peinture de figure au marqueur dans la zone basse. N'empruntez que la structure haut-bas ; ne la traitez pas en styles pixel, coquillage, collage ou sceau matiériste.

À éviter : peinture à l'huile réaliste d'IA, aquarelle, pixel, collage, mosaïque de coquillages, vectoriel, cartoon 3D, grands yeux d'anime, contours noirs lourds et uniformes, fonds complexes, trop de texte, trop d'ornement, et textures de cheveux et de tissu trop détaillées.

Objectif : des aplats francs et puissants vus d'un bout à l'autre de la pièce, de vraies traces tactiles de près, et — en regardant à nouveau — indiscutablement la même personne que sur la photographie du haut.